Las diez mejores películas de la década (III)

Pues aquí estoy yo. Me estreno, como no, con una lista, la ya archifamosa sobre las mejores películas de la década. Abrió el camino Jose, con la primera parte, le siguió mi no menos compañero Héctor, con la segunda tirada, y ahora servidor hace que esto se convierta (por ahora) en una trilogía. Como es obvio decir, no ha sido nada fácil elegir solo diez películas de nada más y nada menos diez años. Aunque parezca mentira, duele dejar por el camino muchas de ellas, porque igualmente merecerían estar, pero no me pondré sentimental, no me gusta, así que ya dejo de escribir aquí, porque lo que interesa está dentro. Pasad amigos y amigas...

10º. ‘UP’ de Pete Docter y Bob Peterson (2009)

Pixar. Ese es el nombre. Todo el mundo alaba a Pixar, año sí y año también, y no es para menos. Su penúltima joya se titula ‘UP’, y muy justamente recibió el respaldo de la crítica y el público desde su salida del horno. Creo que al terminar de ver esta película, todos pensamos lo mismo: ya quisieran el 90% de películas de carne y hueso que vemos cada año tener una historia tan buena como ‘UP’. Entrañable, emocionante, cómica y conmovedora a partes iguales. Sus primeros minutos son simplemente una obra de arte.

El como te muestran toda la larga vida de ese gruñón anciano que minutos después se convertiría en el protagonista de la película, es de una belleza digna de elogio, como también lo es la música que acompaña a dicha escena, y por consiguiente a toda la película. Dicha composición es obra de Michael Giacchino, joven músico que saltó a la fama gracias a su increíble y formidable trabajo en la exitosa serie televisiva ‘Lost’ (‘Perdidos’). ‘UP’ se ha hecho con dos premios en la reciente entrega de los Globos de Oro, Mejor Película de Animación y Mejor Banda Sonora. Nada que reprochar.

9º. ‘EL BOSQUE’ (‘THE VILLAGE’) de M. Night Shyamalan (2004)

No me suele gustar ver demasiados trailers de una película, con uno cortito me suele bastar, más que nada porque lo que me venden en un trailer puede ser que sea una cosa totalmente distinta a lo que después me voy a encontrar en realidad. Pues justo pasó con ‘The Village’, sexto largometraje del director indio M. Night Shyamalan, titulada incomprensiblemente aquí en España como ‘El Bosque’. Shyamalan venía de “pinchar”, como se dice en el argot deportivo con ‘Señales’, una película que en mi opinión no es un desastre como muchos señalan, pero sí bastante menor a otras obras del autor.

Con ‘The Village’ intentó quitarse esa espina que había dejado en sus innumerables seguidores, pero me temo que no lo consiguió, y como dije anteriormente, se debe en gran parte a la mala promoción que se le dio a la película, donde en sus trailers nos invitaban a pensar que se iba a tratar de un film de puro terror. Nada más lejos de la realidad. Es una película sobre el miedo, no de miedo. Shyamalan recurre a una bella narrativa, con atmósfera, y llena de momentos memorables. No se me borra de la memoria la escena donde la protagonista espera al borde de la puerta de una casa con el brazo extendido a que el personaje de Joaquin Phoenix vieniese a rescartarla de los supuestos monstruos que acechaban. El gran James Newton Howard hace el resto en esa poética escena. Por supuesto, no quiero dejar a merced del olvido las grandes interpretaciones de este largometaje, resaltando a Joaquin Phoenix, William Hurt, Adrien Brody y por encima de todos a Bryce Dallas Howard. Por cierto, como es habitual en el autor indio, no falta el cliffhanger de turno casi al final de la película, un cliffhanger que engrandece muchísimo más este infravalorado e incomprendido film.

8º. ‘GLADIATOR’ de Ridley Scott (2000)

Aunque es cierto que las películas sobre el Imperio Romano están bastante manidas, Ridley Scott, director de artificios donde los haya, consiguió con ‘Gladiator’ que una bocanada de aire fresco inundara las salas de cine, donde los fuegos artificiales se aliaron con una excelente narrativa, donde lo espectacular conseguía ser al mismo tiempo poético. Por supuesto, cabe destacar el inmenso trabajo de Russell Crowe como eje de la película, pero sin olvidarnos del grandísimo trabajo llevado a cabo por secundarios como Joaquin Phoenix, Connie Nielsen y el fallecido Richard Harris.

Mención a parte merece la banda sonora de esta película, compuesta por Hans Zimmer e interpretada por Lisa Gerrard. Por favor, no dejen de escuchar el tema “Now we are free”. Absolutamente incomprensible que este film no se embolsara el Oscar a mejor banda sonora. Inexplicable… pero para qué buscarle el sentido a los Oscars ¿verdad?

7º. ‘RÉQUIEM POR UN SUEÑO’ de Darren Aronofsky (2000)

Darren Aronofsky es otro de esos directores que cuentan con una importante legión de fans a sus espaldas, pero que a su vez, cuenta con un igual número de detractores. Después del éxito (sobre todo por parte de la crítica) cosechado con su primer largometraje, ‘Pi’ (1998), decidió dar un paso de gigante con una arriesgada y extremadamente polémica película. A lo largo de toda la historia del cine se han realizado infinidad de trabajos con la drogadicción como protagonista, pero servidor jamás había visto una que tratara el tema de una forma tan cruel, directa y sobrecogedora. Ni la maravillosa ‘Trainspotting’ (Danny Boyle, 1996) siendo una película exageradamente dura, es capaz de hacerle sombra en cuanto a crudeza se refiere. Para ello, como no, es indispensable contar con un buen elenco de actores, y ‘Réquiem por un sueño’ lo tiene. Jared Leto (líder de la banda musical 30 Seconds to Mars) y Jennifer Connelly están geniales, cumplen a la perfección con papeles nada fáciles de interpretar. Pero por encima de todos, destaca la veterana Ellen Burstyn. La protagonista de la mítica ‘El Exorcista’ se come la pantalla en una interpretación digna de Oscar como la que más. El ver como se va devaluando su personaje hasta tocar fondo te deja con el corazón en un puño.

Y para acabar de hablar de esta maravillosa película, no puedo dejar de comentar, aunque sea muy por encima, sus últimos veinte minutos, increíblemente difíciles de llevar. Aronofsky crea un ambiente malsano, de opresión y de locura general que deja sin respiración al espectador, todo ello acompañado con una de las bandas sonoras más influyente y conocidas de los últimos años, compuesta por Clint Mansell, donde destaca la ya considerada soundtrack de culto “Lux Aeterna”, que más tarde y debido a su calidad y enorme éxito, Mansell hizo una remezcla que sirvió para promocionar la segunda parte de la famosa trilogía ‘El Señor de los Anillos’. Pongo punto y final diciendo que ‘Réquiem for a Dream’ es una de las películas que más me ha sobrecogido y con peor cuerpo que me ha dejado en mi vida.

6º. ‘MULHOLLAND DRIVE’ de David Lynch (2001)

 

David Lynch es otro de esos directores que película tras película divide de una forma escandalosa a público y crítica, aunque todo hay que decirlo, en este caso es mucho más comprensible. Este film curiosamente, en un principio, estaba pensado para ser el episodio Piloto de una nueva serie televisiva, sólo que la cadena estadounidense ABC, que en los años 1990 y 1991 emitió la antológica ‘Twin Peaks’, lo rechazó de manera inmediata, seguramente debido a lo escandaloso e incomprensible de su argumento. Así pues, Lynch hizo unos retoques hasta convertirlo en un largometraje, y si lo que pretendía era llamar la atención, sin dudas lo consiguió.

Hay que decirlo claro, la película es, a priori, y hasta que se demuestre lo contrario, incomprensible. Es tan incomprensible, que para entenderla solo un 10% es necesario esperar a ver los créditos del final de la película para ver que una misma actriz encarna a dos personajes distintos (bis), como diríamos en una canción, ya que ese patrón se repite con las dos protagonistas de la película. Entonces la pregunta sería: si no la entiendes, ¿cómo puede estar en la lista de mejores películas de la década? Pues por la simple razón de que el arte a veces es indescifrable, y este film es arte puro. Lynch recurre a imágenes poderosas, ambientes malsanos e inquietantes, personajes excéntricos, y al surrealismo a que ya nos tiene acostumbrado. Las casi dos horas y media que dura me tiene hipnotizado frente a la pantalla, sin entender nada, pero asistiendo a una clase magistral de cine, y es que en estos tiempos que corren, donde abundan de una forma deprimente las películas comerciales, pretenciosas y sin nada que contar, Lynch es capaz de seguir innovando en cada trabajo que hace. Hablando un poco del reparto, destacar el inmenso papel de Naomi Watts, una de las actrices más brillantes de la última década, cuya interpretación en ‘Mulholland Drive’ es extremadamente difícil a la vez que insuperable.

5º. ‘EL INTERCAMBIO’ de Clint Eastwood (2008)

Si Eastwood se ha ganado mi total admiración, ha sido por su culpa, por hacer en las dos últimas décadas casi una obra maestra detrás de otra. En el año 2008 estrenó dos películas, y qué dos películas. ‘Gran Torino’, un excepcional film que no ha sido incluido en esta lista por los pelos de Antonio Lobato. La que sí ha entrado, como bien podéis ver, es la otra que estrenó el veterano cineasta en 2008, ‘Changeling’. En general, el público está dividido con esta película en dos bandos: los que la consideran una gran película, pero no lo suficiente como para entrar en el saco de sus obras maestras definitivas, y los que sí la consideran sin ningún género de dudas una obra de arte. Servidor se encuentra en el segundo grupo. Es cierto que no es su mejor película, de hecho ni se acerca, pero es de calificativo sobresaliente. Eastwood da la enésima lección de cine, tirando del ya consabido clasicismo que le caracteriza.

En esta película vuelve a tocar un tema que le obsesiona: la pérdida de la inocencia de los niños. Ya lo hizo con ‘Un Mundo Perfecto’, y volvió a las andadas con la soberbia ‘Mystic River’. En ‘El Intercambio’ se atreve a narrar una historia basada en hechos reales, arriesgándose a caer en la demagogia. Afortunadamente, Eastwood es ya un veterano que sabe de lo que habla, un tipo inteligente y con un talento pocas veces antes visto, y narra la historia de una forma inmejorable, emocionante y conmovedora.

Angelina Jolie, que como dice el gran Carlos Boyero, no tiene culpa de ser tan guapa ni tiene que pedir perdón por ello, borda el papel de esa madre a la que las autoridades se propusieron inexplicablemente amargarle su existencia. Jolie transmite de una forma exageradamente natural su amargura, su agobio, su temor, su martirio...

4º. ‘PEQUEÑA MISS SUNSHINE’ de J. Dayton y V. Faris (2006)

Sería imposible hacer una lista de las diez mejores películas cómicas de la década, no las hay, así de claro. Semana sí y semana también llegan a nuestros cines comedias, por llamarlas de alguna forma, que son un absoluto bochorno. Chistes repetitivos y ya vistos en infinidad de ocasiones, gags absurdos, forzados y sin gracia, y situaciones que dan verdadera vergüenza ajena. Entonces llegó ‘Pequeña Miss Sunshine’, una película independiente, sin grandes pretensiones y a la que lamentablemente no se le dio todo el bombo que merecía.

El éxito y calidad de esta película se debe, en gran parte, a su gran guión, fresco, ligero y extremadamente divertido, donde las situaciones cómicas surgen de una forma natural, sin forzar. Hay que decir, que aunque se la califica como comedia, esas situaciones cómicas parten desde un punto dramático, desde la amargura. Todos sus personajes son seres atormentados, infelices, nulos en autoestima. Resulta conmovedor ver como todos vuelcan sus deseos y sueños en la adorable pequeña, una niña poco agraciada pero con una dulzura que huye de los cansinos y repelentes prototipos que acostumbramos a ver en estos casos. El ver como poco a poco se va uniendo esa familia cuando más trágica se vuelve la situación, emociona a la vez que divierte. Destacar como no, el grandísimo trabajo de todo el reparto, donde Alan Arkin (quien se llevó el Oscar a mejor Actor de Reparto), que se mete en la piel del abuelo cocainómano-coreógrafo, y la pequeña, la prometedora Abigail Breslin, que consigue una bocanada de aire fresco en papeles infantiles. Y por supuesto, Steve Carell, que borda su papel de suicida potencial que lo único que busca es su lugar en el mundo. A todo esto, y como toda gran película que se precie, cuenta con una banda sonora muy acorde a la historia y a la película en general, una melodía que siempre recordarás y que exhala buen rollo y ganas de vivir. Hay que verla, es una película que nadie puede ignorar. Un canto a la vida que te deja un inmejorable sabor de boca.

3º. ‘MYSTIC RIVER’ de Clint Eastwood (2003)

Segunda representación de Eastwood en la lista y con una película que guarda una pequeña relación con la antes mencionada ‘El Intercambio’, la lamentable profanación a los niños. Aquí Eastwood lo camufla es un thriller con toques de intriga, que todo hay que a decirlo, se nota que al realizador le resbala bastante. El director californiano nos sumerge en un drama duro y realista, donde el espectador sufre a la par que los padres de esa chica mal parada, al igual que ese hombre atormentado y destruido en su infancia, y al igual que ese policía cuya única salvación es un teléfono afónico.

Nominada a seis Oscars y premiada con dos, la Academia, en un alarde de parcial honestidad, se dignó al menos a reconocer el inconmensurable trabajo de Sean Penn y Tim Robbins. Dos actuaciones soberbias y diferentes a partes iguales. La del primero es rabiosa, impulsiva y como no, realista a más no poder. La del segundo es desoladora, desesperanzadora y sobrecogedora. Robbins plasma sus miedos y temores con una solvencia que asusta, su cara lo dice todo, los lobos acechan. No menos meritorias son las interpretaciones de Marcia Gay Harden, la cual fue nominada al Oscar en la categoría de Mejor Actriz de Reparto, y de Kevin Bacon, en el que probablemente es el papel de su vida. Teniendo en cuenta que se enfrentaba cara a cara contra el cierre de ‘El Señor de los Anillos’, demasiado bien parada salió.

2º. ‘LOST IN TRANSLATION’ de Sofia Coppola (2003)

Muchos dicen que el gran Francis Ford Coppola, al que, probablemente con razón, nadie se atreve a toserle, está ya algo fuera de juego en esto del cine. Su última película, ‘Tetro’, recibió palos para dar y regalar. Eso sí, Coppola, si no tranquilo, sí que puede estar contento y orgulloso de la hija que tiene. Casi sin hacer ruido, Coppola Jr. cogió las riendas cinéfilas de su familia y nos brindó en 2003 una de las películas más inteligentes, ácidas y redondas de esta década que se nos acaba de ir. Disimulada en ocasiones con tintes cómicos, Sofia Coppola cuenta una historia tan compleja e intimista que no es nada fácil entender. No es descabellado que alguien al terminar de ver la película haya entendido una cosa totalmente distinta a lo que en realidad cuenta. Supongo, porque no estoy seguro, que para entender esta película en su totalidad y entrar en ella, debes haber vivido, sea de la forma que sea, ciertas situaciones en tu vida, quizá por eso hay gente que le parece menos de lo que es, o simplemente despotrican contra ella de forma insultante.

Tirando hacia las interpretaciones de la película, creo que no es discutible, porque tampoco es que haya mucho más, que destacan los dos protagonistas absolutos, Bill Murray y Scarlett Johansson. La química entre los dos es tan natural que a veces dudé de que estuvieran interpretando un papel. Las miradas, los gestos, los silencios. Todo fluye en este magistral film que desprende verdad. Dos personas perdidas tanto físicamente como metafóricamente, en un lugar desconocido e infernal, donde se tendrán que apoyar el uno en el otro para sobrevivir a la locura que inunda la sociedad oriental. Murray y sobre todo Johansson brindan una de de las interpretaciones más soberbias de los últimos años, con conversaciones y diálogos dignos de recordar, así como también nos conceden uno de los finales más bellos y poéticos de la historia del cine. Como dice Scarlett, que no vuelvan allí jamás, porque nunca será tan divertido.

1º. ‘MILLION DOLLAR BABY’ de Clint Eastwood (2004)

Pues ya está. Hasta aquí hemos llegado. Cierro esta lista con la que para mí ha sido la mejor película de la década. Nos llegó en 2004, y nadie que la vio pudo quedar indiferente ante ella. Cuando parecía que Eastwood había tocado techo solo un año antes con ‘Mystic River’, a los pocos meses volvió a pegar un puñetazo encima de la mesa con su obra maestra definitiva. Todo sabíamos del talento de Clint para narrar y plasmar historia a la sombra de la cámara, aquí da un paso más, y convierte lo que superficialmente parecería una película de boxeo, en un largometraje con una profundidad y una complejidad difícil de igualdad. Eastwood no habla de nada extraño, no nos cuenta una utópica historia, a fin de cuentas, simplemente nos habla de la vida.

Con el boxeo como pantalla “anti-superficiales”, el director mira más allá del bien y del mal para hacernos llegar la historia de una mujer cuya existencia es un interrogante, cuya vida es un mar de penas. Un día como otro cualquiera, a la vuelta de la esquina, puedes encontrar un mugriento recoveco inundado de sacos sin alma. Nada importa. Nada de eso importa si ese es el sitio donde por fin te encuentras, donde por fin le encuentras sentido a tu vida. Incluso, si eres leal y constante, puedes llegar a encontrar el padre que nunca tuviste, el hombro que llevabas toda tu vida buscando para poderte apoyar en él, un alma gemela con tu misma sangre. Quién sabe, puede salir bien, puede salir mal, pero lo has intentado, has hecho que tu existencia merezca la pena, has hecho que tu vida merezca la pena.

No hay, o no encuentro las suficientes palabras para definir el trabajo de Hilary Swank en la película. Si interpretación, antológica ya, te deja sin aliento, sin habla, Swank consigue una de las interpretaciones más memorables de los últimos años, dando vida a ese alma en pena que no tiene donde caerse muerta. Clint encontró a Hilary, Frank encontró a Maggie y viceversa. Eastwood tiene el valor para salir de su escondite tras las cámaras en esta película para brindarnos otra interpretación soberbia. Un solitario anciano que encuentra en el boxeo su vía de escape. Un gruñón que toca techo antes de volver a bajar a los infiernos, a enfrentarse a la cruda e inexpugnable realidad. Morgan Freeman vuelve al lado de su amigo Clint para dar vida a un sombrío personaje, un personaje que calla más que dice, que dice cuando calla, que no ve demasiado, pero que ve más que nadie.

Así pues, Eastwood lanza un derechazo al corazón y nos deja K.O. con un desenlace que se encuentra ya en el Olimpo del cine. Un nudo en la garganta que llevarás contigo el resto de tu vida, una vida que algún día quisieras que la dirigiera Clint Eastwood.

Y hasta aquí mi lista. San se acabó. Pero por nada del mundo me gustaría cerrar esta entrada sin hacer mención a unas cuantas películas que se han quedado al borde de entrar, y que me parece justo al menos nombrarlas a modo de telegrama: ‘En el Valle de Elah’ de Paul Haggis, ‘Gran Torino’ de Clint Eastwood, ‘My Blueberry Nights’ de Wong Kar-Wai, ‘Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra y El Cofre del Hombre Muerto de Gore Verbinski, ‘Big Fish’ y ‘Charlie y la Fábrica de Chocolate’ de Tim Burton, ‘El Pianista’ de Roman Polanski, ‘Blow’ de Ted Demme.

Así que nada, a comentar se ha dicho… Mmmm... ¿hola?